No projeto de teatro musical do qual estou participando estamos, ao final de cada aula de dança, montando uma pequena coreo... ela não vai ser apresentada, mas acho que é só para não ficarmos na repetição dos exercícios que fazemos todos os dias: fazemos sequências de ballet e jazz.
No entanto, eu estou sentindo bastante dificuldade pra "pegar" a coreografia... eu "entendo" os movimentos que tem que ser feitos, mas na hora de executar, eu esqueço do próximo e acabo me atrapalhando toda. Me sinto assim:
Não é legal.
Na aula na puc, a pequena sequência de cumprimento que aprendêmos é menos complexa e passamos ela parte por parte, o que deixou ela muito mais fácil de fazer - embora vejo que muitos dos meus colegas tenham bastante dificuldade.
Sei que não sou a única do projeto que não é exatamente uma dançarina e que não consegue pegar a coreo direito, mas me frustro do mesmo jeito. =(
Para hoje, assistimos o espetáculo quebra-nozes e elaboramos uma resenha (individual) sobre o que vimos:
Gostei muito de ter assistido. ;) Mas fiquei com um pouco de receio de escrever a resenha porque sei que não tenho muito conhecimento de dança, afinal... tivemos somente um mês de aula. Mas em todo caso, foi essa a minha reflexão:
Quebra-Nozes: Uma manifestação de virtuosismo e expressividade
Obra: EUROARTSCHANNEL. Piotr Tchaikovsky: The Nutcracker - Ballet in two acts (HD
1080p).
O espetáculo "The Nutcracker", apresentado pelo Mariinski Theatre Ballet
Company e Symphony Orchestra, disponibilizado online pelo EuroArtsChannel, é uma
obra encantadora. O esforço conjunto de Valery Gergiev, Vasily Vainonen, Benjamin
Tyrrell, respectivamente maestro, coreógrafo, cenógrafo e figurinista, resultou em uma
peça cativante.
Apresentado pela primeira vez no mesmo teatro em 1892, o ballet conta a
história de uma noite de natal na casa da família Stahlbaum. Clara Stahlbaum
(Alexandra Korshunova), menina entre 10 e 12 anos, recebe de seu padrinho
Drosselmeyer (Fyodor Lopukhov) um boneco quebra-nozes, do qual ela imediatamente
passa a gostar. O primeiro ato termina com Clara adormecendo e entrando em um
sonho, em que ela é salva pelo boneco quebra-nozes (Pavel Miheyev) de um grupo de
ratos. No segundo ato, continuamos o enredo onírico da menina, mais velha no sonho,
agora interpretada pela primeira bailarina Alina Somova, que é guiada pelo principe
quebra-nozes (Vladimir Shklyarov) no reino dos doces. Clara se depara com diversas
figuras como dançarinos espanhois, russos, chineses e árabes. Então se depara com
um corpo de baile, que leva ao desfecho da obra.
A obra traz um contraste interessante entre o realismo do primeiro ato, em que
encontramos a família de Clara e os convidados em sua casa, e o segundo ato, em
que nos deparamos com seu mundo dos sonhos. Ambos os instantes são
encantadores tanto pela interpretação dos dançarinos quanto pelos riquíssimos
cenários e figurinos. Em especial, o segundo ato consegue trazer para o palco, pela
união destes componentes e uma coreografia estilizada, a fantasia da garota. Pode se
reparar pela mudança de endumentária do corpo de baile que passou a vestir rosaclaro
e as bailarinas de tutu romântico. A coreografia de entrada do pas de deux dos
primos bailarinos remeteu bilhantemente a sensação de vôo de Clara em seu sonho.
Foi uma apoderação inteligente de um efeito clássico do ballet para enriquecer a
narrativa.
Alguns pequenos erros de câmera filmagem do espetáculo como quando o
primeiro bailarino é tampado pelas dançarinas no início do segundo ato nos lembram
que o espetáculo foi produzido para ser assistido ao vivo. No entanto, os editores
tiveram bom gosto na escolha de movimentos durante a edição da versão em vídeo e a
gravação é de ótima qualidade. Tanto que, no início do primeiro ato, é visível o
quadriculado do projetor, utilizado para dar o efeito de neve caindo, no corpo dos
bailarinos e no cenário.
Bela tanto pelo virtuosismo dos bailarinos quanto por sua capacidade expressiva
que torna a narrativa atraente, a obra é interessante para público de todas as idades,
frequentantes ou não do ballet.
Compreendo que o ballet se aprende através de repetição. Pra mim foi muito interessante fazer novamente, porque já é a terceira vez que "inicio" de novo - fiz quando era criança e fiz um ano em 2012. Gosto muito, toda vez que faço... espero que agora eu consiga ser mais consistente. Penso em, assim que terminar as matérias de dança, continuar fazendo alguma coisa relacionada fora da puc... alguma aula ou coisa parecida. :)
Dessa vez, repetindo novamente, percebi que uma das coisas que mais me falta é equilíbrio... não sei porque... talvez seja porque não tenha os músculos "core" fortalecidos o suficiente... ou talvez esteja "saindo do eixo", enfim... espero que isso melhore com o tempo. :D
Gosto muito de ver os vídeos no final da aula... parece que ajuda a contextualizar aquilo que estamos fazendo em sala e também serve de referência para o nosso trabalho criativo pro fim do semestre - e também pro resto da carreira artística.
Senti que a nossa turma estava bem dividida quanto à matéria de dança: alguns estavam bem animados para fazer, enquanto outros estavam com bastante receio. Na verdade, acho que eu estava um pouco dividida também - por saber o quão bem o profe dança e tudo mais... mais resolvi encarar como uma oportunidade de crescimento (como devemos encarar tudo na vida, na verdade).
Achei interessante a leitura disponível no Eureka, que conta a história do ballet. Não fazia ideia de como era! Além de divertida, foi bastante esclarecedora. Acho interessante de ver que todos os elementos da dança estão inseridos no seu contexto histórico e surgiram como resposta à cultura da época. Por exemplo - os bailes da corte, o romantismo, a sapatilha de ponta, etc.
Uma cena que me lembrei enquanto estava lendo foi do filme Amadeus, em que ele decide incluir uma cena de ballet em sua ópera, mas que é proíbido pelo Rei. Acho interessante como o ballet é uma dança que depende da música, pois na cena eles tentam tirá-la, mas os movimentos dos dançarinos acaba parecendo "idiota". Abaixo a cena, com música, do filme:
Essas últimas férias foram muito bem vindas. Não que eu não goste das aulas! Pelo contrário, gosto bastante de estudar, no entanto, semestre passado foi muito puxado para mim... Trabalhando, fazendo estágio e estudando... Confesso que não é facil. As férias foram um ótimo momento para desestressar e refletir sobre tudo que estava fazendo e tomar decisões: que portas quero deixar abertas? Vou ter que feixar quais?
Como gosto de fazer tudo BEM, cheguei a conclusão que estava fazendo demais, me desgastando, e não estava conseguindo dar a profundidade desejada a tudo que estava fazendo. Portanto escolhi dar menos aulas este semestre e continuar com as demais atividades. Como teremos menos horas/aula na universidade também, decidi que seria interessante retomar uma dança (podendo complementar as atividades feitas com o professor neste semestre que teremos Dança como matéria) e aprofundar mais em canto também (afinal, recebo bolsa pelo coral e quero continuar meus estudos na área para realmente merecê-la). No início de julho, fiz audição para um programa de teatro musical chamado Projeto Broadway, onde os participantes tem aulas de dança, canto, interpretação, teoria musical, entre outras matérias. Fiquei contente de ter sido aceita pois creio que será um ambiente estimulante para por em prática o que vejo na PUC. :)
Nestas férias também participei de uma oficina de Theatre du Soleil. Este workshop, que durou 3 dias, foi uma exploração da obra de Shakespeare "Noite de Reis". Depois de fazermos aquecimentos e jogos, exploramos diversas possibilidades de montagem de 3 cenas da peça. O processo desta exploração foi iluminador e extremamente diferente de qualquer outro processo de montagem do qual eu já participei. De acordo com a atriz oficineira, Dominique ... , antes de um ator DECORAR suas falas, é preciso que ele as DESCUBRA. Os atores participantes eram encorajados a subirem ao palco para interpretar um personagem com o texto na mão, ou com alguém que soprasse as falas. Então, o ator deveria "explorar o máximo suas possibilidades corporais" na cena, agindo e reagindo ao seu coléga, "brincar/jogar" traduzido do francês, antes de retomar o texto.
Este método de trabalho permitia que os movimentos em cena se tornassem tão importantes quanto o texto em sí, embora este seja escrito por Shakespeare. Aqueles que conseguiam maior domínio sobre o método tornavam a cena mais leve e divertida - porém não exageradamente cômica, como vemos algumas montagens que prezam o riso da plateia acima da unidade artística da produção.
Creio que ter assistido aos outros executando a cena, aprendi mais sobre as possibilidades de exploração corporais de um texto do que se eu tivesse estado no palco o tempo todo. Esta oportunidade de sentar e assistir, ativamente, foi muito proveitoso. Foi um momento em que pude comparar o meu desempenho com o de outros e enxergar alguns de meus pontos fracos.
Refletindo sobre a experiência, percebo que ainda não consigo estar à vontade o suficiente para permitir-me brincar e estar realmente presente em cena se não estou certa das instuções do que tenho que fazer. Em outras palavras, não consigo estar presente no jogo se não estou segura de que entendo suas régras.
Isso teve um grande impacto em mim, pois descobri que se não me sinto segura dentro do jogo, provavelmente não jogarei com todo meu foco e isso deve ser verdadeiro para meus alunos também. No primeiro dia de uma de nossas matérias em Londres, discutimos sobre SMART Goals, dar objetivos para os alunos que sejam "espertos" (a tradução das siglas seriam: específico; mensurável; ...). Não tinha feito a ligação daquela aula com sua importância no desempenho artístico do aluno. Se o estudante não tem certeza do que tem que fazer, ficará preocupado em descobrir se está fazendo "certo" ou "errado" ao invés de simplesmente se deixar levar pela situação em que está inserido em cena. ;)
Aaaah! Eu co-dirigi uma peça dos alunos do Colégio Internacional. Eles estreiaram seta e sábado desta semana e fiquei bem contente com o resultado. Vejo a importância do trabalho corporal do ator quando os vejo em cena.
As cenas mais divertidas e mais dinâmicas eram as que continham mais movimento corporal, coisas que fugiam do cotidiano ou do esperado. No entanto, os alunos tem uma dificuldade tremenda de se mexer, de se soltar e de relevar que estão fazendo movimentos ridículos ou feios para o dia-a-dia. Não sei se é cultural... se existe alguma forma de pressão dos colegas... enfim!
Como eu falei em aula, os viewpoints finalmente fazem sentido pra mim. Trabalharam os viewpoints no estágio, mas nunca fez muito sentido pra mim: o que os alunos faziam eram andar em círculo - pulando quando um pulava, parando quando um parava e virando quando um virava. O movimento era obrigatório e tinha que ser repetido exatamente da mesma forma da qual o iniciador o fez. Parece que esta forma não permite uma criação livre, espontânea, mas gera apenas o desenvolvimento da atenção.
Quando fizemos em sala a atividade da lagoa ou os viewpoints em linha, adorei a liberdade que tinhamos de propor e responder ao colega - da forma com que queríamos. Vendo os demais grupos, vi muitas formas interessantes se formarem que tentaremos embutir em nosso trabalho do fim do semestre.
No início do semestre, para tentar me ambientar com a linguagem de Ann Bogart, que utilizavam, vi que ela tem muito em comum com Laban. Não sei se é uma dissidência de sua técnica, mas é algo que gostaria de saber e estudar um pouco mais. =D
Aqui um dos vídeos que achei no youtube quando estava pesquisando sobre o assunto:
